12 Alben, um Jazz zu entdecken

Wenn nur eines übrig bleiben sollte, dann ohne Zweifel dieses! Der Klassiker der Klassiker, das meistverkaufte Jazzalbum aller Zeiten und eines der faszinierendsten. In fünf Titeln erfinden Miles und sein Spitzenteam (darunter John Coltrane und Cannonball Adderley an den Saxophonen und Bill Evans am Klavier) die modale Musik mit Improvisationen, die alle inspirierter sind als die anderen, und diese Entdeckung wird für alle eine Revolution sein, vom Jazz über Grateful Dead bis Hendrix. Jede Note ist von Anmut berührt, und bei jedem erneuten Hören entdeckt man eine weitere Tiefe. Zeitlos und kraftvoll, und außergewöhnlich selbst innerhalb der beeindruckenden Diskographie von Miles.

1964, bewaffnet mit seinem nagelneuen Selmer Mark VI, nimmt Coltrane das Werk auf, das seinen Stil besser definiert als jedes andere. Das mystische Gedicht in vier Teilen A Love Supreme liegt zwischen dem Hard Bop seiner frühen Phase (insbesondere Blue Train) und der bezaubernden Eigenart seiner kommenden Free Jazz-Alben. Der Schlagzeuger Elvin Jones fügt sein Percussion-Genie hinzu, das Christian Vander (Magma) stark inspirieren wird. Es gibt viele Coltrane-Alben, die es wert sind, entdeckt zu werden (Giant Steps, My Favorite Things… er hat nie wirklich ein schlechtes Album gemacht), aber dieses hat etwas Besonderes, was nicht wenig bedeutet.

Offenbar war 1959 ein großartiges Jahr für den Jazz… Der Pianist Dave Brubeck liefert hier sein Meisterwerk ab, auf dem sich sogar der Titel befindet, der dem, was man im Jazz als „Hit“ bezeichnen könnte, am nächsten kommt: das berühmte Take Five, das mit seinem 5/4-Takt jedoch alles andere als tanzbar ist. Tatsächlich ist das ganze Album eine Erkundung der kompositorischen Möglichkeiten asymmetrischer Takte, wie das berühmte Blue Rondo à la Turk im 9/8-Takt, das von Claude Nougaro unter dem Namen A Bout de Souffle adaptiert wurde.

Ein weiteres Meisterwerk aus dem Jahr 1959! Dieses stammt vom genialen Kontrabassisten und Komponisten Charles Mingus, der viele weitere spannende Alben veröffentlicht hat (Pithecanthropus Errectus, The Black Saint And The Sinner Lady…). Dieses sticht durch die hohe Qualität der Kompositionen hervor, darunter der Standard Goodbye Pork Pie Hat, der in den Händen von Jeff Beck zu einem Rockklassiker wurde. Ah Um ist eine Art musikalische Autobiografie, in der Mingus seine prägenden Einflüsse Stück für Stück erkundet – eine wahre Erforschung seiner komplexen Persönlichkeit.

1965 ist der Pianist Herbie Hancock gerade einmal 24 Jahre alt. Doch fünfzig Jahre später klingt Maiden Voyage immer noch wie ein Werk von beeindruckender Reife. Die Kompositionen sind großartig (Maiden Voyage und Dolphin Dance sind echte Standards geworden) und Hancock ist von einer echten Dreamteam-Besetzung umgeben, deren Musiker alle sehr erfolgreiche Solokarrieren hatten (Freddie Hubbard an der Trompete, George Coleman am Saxophon, Ron Carter am Bass und Tony Williams am Schlagzeug). Hancock selbst ist auf dem Höhepunkt seiner Fähigkeiten und schafft eine faszinierende, aquatische Atmosphäre.

Die meisten Jazzalben wurden live aufgenommen, mit allen Musikern im selben Raum. Warum also nicht vor Publikum aufnehmen, um von der wertvollen Energie zu profitieren, die mit den Musikern ausgetauscht wird? Für dieses Album von 1961 wählte der Pianist Bill Evans den Club Village Vanguard in New York und umgab sich mit einer starken Rhythmusgruppe mit dem Bassisten Scott LaFaro (der zwei der sechs Titel komponierte) und dem Schlagzeuger Paul Motian. Die Interaktion der drei sprüht vor Funken, und jede Note scheint das Ergebnis langer Überlegung zu sein, so präzise ist sie.

Wissen Sie, aus welchem Jahr dieses Album stammt? Genau, 1959! In diesem Jahr muss in New York etwas Besonderes passiert sein… Der Saxophonist Ornette Coleman nannte sein Album „Die Form des kommenden Jazz“ und er hat nicht gelogen: Für die damalige Zeit war dieses Album ein echtes UFO. Es gibt zwar einige Themen, die sich in den sechs Stücken wiederholen, aber meistens improvisieren die verschiedenen Instrumentalisten völlig frei, und das Fehlen eines Klaviers bedeutet, dass es keine Begleitakkorde gibt. Mit diesem einen Album erfand Coleman den Free Jazz und sprengte endgültig die Grenzen des Genres. Wir leben noch immer in dieser musikalischen Welt nach Shape Of Jazz To Come.

Der Pianist Thelonious Monk spielte mit Art Blakey, Miles Davis, Sonny Rollins und machte sogar ein hervorragendes Duo-Album mit John Coltrane, aber er war nie so gut wie allein mit seinem Instrument. Dieses Album von 1965 präsentiert zwölf Titel, in denen man Monks Genie in seiner reinsten Form hört. Nichts glättet die Ecken, und seine absichtlich gesetzten falschen Töne klingen mit einer ganz besonderen Tiefe. Sein Spiel ist unvergleichlich und kann auf den ersten Blick brutal und rau wirken, aber man muss nur das unglaubliche Ruby My Dear auf diesem Album erneut hören, um die wilde Schönheit dahinter zu erkennen.

Bird ist der Spitzname des Saxophonisten Charlie Parker, Diz die Kurzform des Trompeters Dizzy Gillespie. Beide sind absolute Referenzen in ihren jeweiligen Bereichen, und das Zusammentreffen der beiden in einem Studio in New York im Jahr 1950 bleibt ein historischer Moment des Jazz. Der Wettbewerbsgeist zwischen den beiden ist deutlich spürbar, und sobald einer nach dem Solo des anderen einsetzt, spürt man den Wunsch, die Phrase zu spielen, die den Unterschied macht. Um das Ganze noch zu toppen, sind Buddy Rich (die Hauptinspiration von John Bonham) und Max Roach am Schlagzeug sowie Thelonious Monk am Klavier dabei. Das hört man deutlich…

Dieses Album von 1963 vereint drei der größten Namen des Stils, aller Epochen: den Pianisten (und Bandleader) Duke Ellington, den Kontrabassisten Charlie Mingus und den Schlagzeuger Max Roach. Obwohl der Duke zwanzig Jahre älter ist als seine Rhythmusgruppe, entsteht zwischen den dreien eine umso schönere Interaktion, als sie zerbrechlich ist: Die drei drücken sich völlig frei aus, und man spürt, dass die Zwänge der Komposition im Vergleich zur Freude am Spielen kaum ins Gewicht fallen, aber sie finden immer wieder zusammen und bilden einen echten Gesamtklang.

Zeitenwechsel (wir sind 1978), Stilwechsel: Der Jazz integriert Funk und sogar Disco in Schlagzeug, Gesang und Streicherarrangements. Wie der Name schon sagt, sind die beiden Autoren dieses Fusion-Klassikers zwei Brüder, Michael Brecker am Saxophon und Randy Brecker an der Trompete. Die lyrische Seite ihres Spiels erhellt wirklich einen Titel wie Funky Sea, Funky Dew, und die ultra-präzisen Einsätze erinnern an Blood, Sweat And Tears, deren Gründungsmitglied Randy war. Die beiden Brüder sind zu wahren Studiolegenden geworden, da ihre präzisen und brillanten Blechbläser auf Alben zahlreicher Künstler zu hören sind, darunter Frank Zappa, Parliament und Todd Rundgren.

1960 machten sie sich keine Mühe, komplizierte Titel zu finden. Hier kündigt schon das Cover alles an: „Die unglaubliche Jazzgitarre von Wes Montgomery“. Und tatsächlich ist es schwer, einen Jazzgitarristen zu finden, der die Musikwelt im weiteren Sinne mehr geprägt hat als Wes. Der warme und fließende Klang, den er aus seiner Gibson L-5 herausholt, die er mit dem Daumen spielt (mit seinen berühmten Oktaven in der linken Hand), ist sowohl der menschlichen Stimme sehr nahe als auch ein komfortables Klangkissen für den Zuhörer. Wenn er dann noch von so brillanten Begleitern umgeben ist wie auf diesem großen Klassiker (sein viertes Album in zwei Jahren!), ist das Sechssaiten-Nirvana nicht weit…