Als Regisseur versteht Valentin Guiod das Bild als organische Sprache, die untrennbar mit dem Klang verbunden ist. Bei ihm illustriert Musik nicht: Sie geht dem Bildausschnitt manchmal voraus, löst eine Szene aus, eröffnet eine Vorstellungswelt. Von Familien-VHS-Kassetten bis zu seiner Regiearbeit für DJ Snake, über Projekte mit starker emotionaler Aufladung hinweg, erzählt sein Werdegang von einer wesentlichen Sache: Die Welt zu erzählen bedeutet vor allem, einer Intuition treu zu bleiben.
In dieser Folge spricht Valentin über seine tief verwurzelte Beziehung zu Musik und Bild, über die Bedeutung der ersten Idee, über das weiße Blatt, das ebenso Angst macht wie es anregt, und über diese seltenen Kooperationen, bei denen alles zusammenpasst — eine Vision, ein Song, eine Geschichte. Ein sensibles, intensives Gespräch, in dem man versteht, dass die stärksten Bilder oft aus dem entstehen, was man nur halb hört, aber vollständig spürt.
Valentin Guiod
Das Tales-Interview
Was ist deine erste Erinnerung an ein musikalisches Gefühl?
Ich würde sagen: Henri Dès. Und direkt danach denke ich an meinen Vater, der sehr viel gesungen hat. Er war Mitglied eines Chors und sang viel zu Hause. Es ging nicht um Instrumente, sondern um die Stimme — eine Stimme, die oft im Haus widerhallte.
Und wie blieb Musik während deiner Jugend präsent?
Ich glaube, das wurde mir durch meine Eltern vermittelt, insbesondere durch meinen Vater. Er hörte sehr viele Vinylplatten. Das Verrückte ist, dass ich erfahren habe, dass er einen großen Teil davon als Jugendlicher weggeworfen hatte — und genau diese Musik habe ich später gehört. Ich dachte mir: „Wenn wir das nur zehn Jahre länger behalten hätten …“ Was ich entdeckt habe, ist zugleich ein musikalisches Erbe und ein Objekt. Vinyl war Teil des Wohnraums, nicht nur wegen des Klangs, sondern auch wegen des Bildes. Ein Plattencover ist ebenfalls ein starkes Bild. Ich erinnere mich zum Beispiel an das von Van Morrison, das im Wohnzimmer stand — es gehörte zur Einrichtung. Von Anfang an gab es eine natürliche Verbindung zwischen Musik und Bild.
Das Bild kam also sehr früh in deinem Werdegang vor?
Ja, aber in meinen Erinnerungen ist das etwas verschwommen. Ich denke, dass die Verbindung zwischen Musik und Bild bei mir zu einem großen Teil von den Familienvideos kommt, die ich als Kind geschaut habe. Ich habe sogar einen Film daraus gemacht, das war mein erster Kurzfilm. Es gab eine sehr organische Beziehung zwischen Klang und Bild. Sofort entstand daraus eine Form von Nostalgie, eine Vorstellungswelt. Ich erinnere mich sehr gut an die Musik außerhalb des Bildes in diesen VHS-Ausschnitten. An das, was neben dem sichtbaren Bild lief. Diese Beziehung zu dem, was man nicht sieht, aber hört, war grundlegend für meine Art, Dinge wahrzunehmen. Das Kino kam nach und nach, übrigens nicht unbedingt über die Musik, sondern eher über die Bilder selbst. Ich erinnere mich, dass ich The Green Mile mit 9 Jahren gesehen habe. Das ist überhaupt kein Film für ein Kind in diesem Alter (lacht), aber er hat mich geprägt. Denn es war die Entdeckung von etwas Verbotenem. Und damals gab es noch Videotheken. Hinzugehen und eine Kassette auszuwählen, war bereits eine Form der Inszenierung. Wieder ging es um diese Körperlichkeit des Objekts, die für meine Beziehung zu Bild und Klang sehr wichtig ist.
Die Musik kam in dieser Beziehung zum Bild etwas später. Obwohl ich mich recht früh dafür interessiert habe, da ich zehn Jahre lang Klavier gespielt habe. Ich war Musiker, aber ich glaube, ich habe Musik und Bild zunächst als zwei getrennte Dinge entdeckt. Und dann, je mehr Filme du siehst und dir eine Filmkultur aufbaust, desto mehr verstehst du, dass beide zusammenkommen und sich gegenseitig nähren können.
Hat dich ein Musikvideo oder ein Werk besonders geprägt?
Michel Gondry, ohne zu zögern. Ich habe dieselbe Kunstschule besucht wie er. Er verkörpert eine Form visueller Freiheit, die ich bewundere: Er ist Regisseur, aber auch Musiker, ein Erfinder von Bildern. Seine Musikvideos für die Chemical Brothers, insbesondere Let Forever Be, waren ein Schock. Er hat eine Sprache erfunden, die es zuvor nicht gab.
Kannst du die wichtigsten Etappen deines Werdegangs nachzeichnen?
Ich habe an der ENSAM in Paris begonnen und dann an der University of the Arts London studiert. Dort habe ich mit Video, Werbung und Grafikdesign experimentiert. Anschließend arbeitete ich fünf Jahre lang als Art Director zwischen Paris und London. Aber ich wollte schon immer zum Film. Ich kündigte meinen Job und kehrte ohne Netzwerk, ohne Sicherheitsnetz nach Paris zurück. Dann lernte ich meinen Produzenten, Hugo Legrand-Nathan, kennen. Wir haben
gemeinsam losgelegt. Seitdem drehe ich Werbespots, Musikvideos und Kurzfilme.
Wie kam es zu deiner Zusammenarbeit mit DJ Snake?
Es begann vor drei Jahren. Der Film brauchte lange, um Form anzunehmen. Ursprünglich hatte er einen Remix von Sabali von Amadou et Mariam — eine universelle Hymne, die alle lieben, die alle kennen und die mir wirklich am Herzen lag. Ich habe eine sehr filmische Schreibweise, also kam ich mit einem Drehbuch von 10–15 Minuten. Wir wussten nicht genau, ob das funktionieren würde, aber er hat mich unterstützt. Wir wollten über Migration sprechen, Haltung zeigen und dieser Musik durch das Bild Menschlichkeit verleihen.
Wir haben sehr viel gedreht. Im Schnitt funktionierte der Film. Ich bat ihn um seine Stems — was selten ist — und er stimmte sofort zu. Im Schnittraum entdeckte ich die ganze Musikalität des Songs. Wenn du jede Spur einzeln isolierst, ist das ziemlich magisch. Da waren einige absolut großartige 80er-Synthesizer.
Wir haben Momente gestreckt und neu angeordnet. Aus drei Minuten wurden neun. Und er hat anschließend auf Basis des Schnitts neu komponiert. Das war ein riesiges Vergnügen, denke ich, für ihn ebenso wie für mich.
Gibt es eine starke Erinnerung an diesen Dreh?
Es gibt eine Einstellung im Film, die für mich alles zusammenfasst: ein Auge unter einer Plane, das etwas über die Gewalt erzählt, die jene erleiden, die für eine bessere Zukunft die Wüste durchqueren. Dieses Bild hatte ich von Anfang an im Kopf. Aber es war gestrichen worden, wir konnten es nicht so einbauen, wie ich wollte. Am nächsten Tag war der erste Drehtag mit Omar Sy. Man sagte mir: „Wenn du es machen willst, dann jetzt.“ Das hätte bedeutet, ihn eine Stunde warten zu lassen. Ich ging zu ihm und erklärte es ihm. Er sagte zu mir: „Mach deine Einstellung, sag mir nicht, wie viel Zeit du brauchst.“
Wir haben sie gedreht. Und als ich ihm den Schnitt zeigte, drehte er sich berührt zu mir um. Ich glaube, er war wirklich bewegt. Dieser Moment steht für etwas sehr Starkes: Ganz gleich, wie bekannt jemand ist oder wie groß ein Name — wenn sich jemand für eine Geschichte engagiert, dann tut er es voll und ganz. Dieser Blick, diese Einstellung, diese geteilte Emotion … ich glaube, das wird eine meiner prägendsten Erinnerungen an einen Dreh bleiben.
Gab es Menschen, die auf deinem Weg entscheidend waren?
Ja, sofort denke ich an meinen Produzenten, Hugo Legrand-Nathan. Er war der Erste, der zu mir sagte: „Du möchtest Regie führen? Ich gebe dir die Mittel dafür.“ Und ich glaube, genau das brauchen wir als Künstler: jemanden, der in unsere Ideen investiert.
Ich denke auch an Lukas Dhont. Bevor ich meinen ersten Kurzfilm mit Kindern drehte, schrieb ich ihm. Er hatte gerade Close veröffentlicht und antwortete mir mit sehr wertvollen Ratschlägen dazu, wie er Kinder anleitet. Das hat mir sehr geholfen.
Und dann gibt es, eher symbolisch, Michel Gondry. Ich bewundere ihn seit jeher. Am Tag meiner
letzten Abiturprüfung ging er an meiner Schule vorbei. Ich nahm es als Zeichen. Ich
ging zu ihm. Seitdem bin ich ihm noch mehrmals begegnet. Das ist ein wenig anekdotisch, aber es hat mich geprägt.
Arbeitest du mit einer bestimmten Komponistin zusammen?
Ja, Clémence Ducreux. Wir haben uns mit 13–14 Jahren kennengelernt. Sie komponiert alle Originalmusiken für meine Filme. Es ist eine seltene, beständige Zusammenarbeit. Ich bin auch sehr stark im Bereich der Musik-Synchronisation engagiert. Für meinen ersten Kurzfilm gelang es mir, die Rechte für Bridge Over Troubled Water in der Version von Nana Mouskouri zu bekommen. Das hat den gesamten Film verändert.
Wie gehst du mit dem leeren Blatt um?
Ich glaube, das ist eine Angst, die alle Künstler:innen kennen. Dieser Moment, in dem du dir sagst: „Okay, ich habe alles gesagt.“ Auch wenn ich noch am Anfang meiner Karriere stehe, ist das immer noch schwindelerregend. Die Welt zu erzählen, ist eine privilegierte Position, aber auch voller Ängste. Wenn du es nicht schaffst, kommt niemand, um dich zu holen.
Ich versuche, mich an meiner ersten Intuition festzuhalten. Oft stellst du sie während des ganzen Prozesses infrage, versuchst sie zu töten, um eine bessere zu finden … Und am Ende kommst du wieder auf sie zurück. Sie ist es, die dich leitet. Manchmal dauert es einen Tag, manchmal sechs Monate, aber diese erste Idee rettet, wenn du an ihr arbeitest, oft das leere Blatt.
Schreibst du manchmal ausgehend von Musik?
Sehr oft. Manche Musikstücke lösen sofort Bilder, Szenen aus. Zum Beispiel hat mich The Joke von Brandi Carlile zu einem ganzen Drehbuch inspiriert. Musik kann dem Bild, ja sogar dem Wort vorausgehen.
Was macht für dich einen guten Regisseur aus? Ein gutes Musikvideo?
Es ist eine Idee. Eine starke und einfache Idee. Ein Pfeil, den man vom Gehirn ins Herz schießt. Je weniger du hinzufügst, desto größer sind deine Chancen, ins Schwarze zu treffen. Michel Gondry ist ein Beispiel dafür. Und dann gibt es auch noch diese Treue zu deiner ersten Intuition. Denn alles in der Produktion drängt dich dazu, sie aufzugeben. Aber sie ist es, die dich leitet.
Stehst du zu deiner Arbeit in mehreren Formaten: Musikvideo, Werbung, Fiktion?
Ja, auch wenn man in Frankreich Menschen gern in Schubladen steckt ... Ich sehe jedes Format als Experimentierraum. Das Musikvideo ist ein Labor. Die Werbung ist eine anregende Einschränkung. Der Kurzfilm hat eine längere Erzählung. Und ich glaube nicht, dass ein starkes Bild jede Art von Geschichte tragen kann.
Welche:r Musikkünstler:in, für die du gerne ein Musikvideo drehen würdest?
Theodora. Bei ihr steckt ein sehr starkes Versprechen. Ansonsten Bad Bunny, zum Spaß. Oder Rosalía, aber für ein stärker narratives Projekt.
Ein:e Wunschschauspieler:in?
Tilda Swinton. Sie kann alles spielen. Sie ist faszinierend, sie ist wirklich die Schauspielerin, die mich
träumen lässt
Welchen Rat würdest du Jüngeren geben, die davon träumen, Regie zu führen?
Wenn du spürst, dass du etwas zu sagen hast, musst du Wege finden, es zu zeigen. Legitimität ist eine Suche. Sie fällt nicht vom Himmel. Du musst morgens mit diesem Wunsch aufstehen, und niemand wird es an deiner Stelle tun.
