Bassistin, Kontrabassistin und Singer-Songwriterin, Laure Sanchez kam auf einem Umweg zur Musik. Klassische Gitarre und Gehörbildung in der Kindheit, dann mehrere Jahre ohne Instrument, die Zeit einer Ingenieurvorbereitung und eines Bachelorstudiums. Mit etwa 19 Jahren merkt sie, dass das nicht das Leben ist, das sie will, und beginnt mit dem Kontrabass. Das erste Instrument ist ein altes Modell, das ihr geliehen wurde, das sie ohne Hülle zu ihren Eltern bringt, auf dem Rücksitz des Autos liegend, mit dem Kopf, der aus dem Fenster ragt.
Es folgen Jahre mit Jazz, ein Besuch im Konservatorium und im Centre des Musiques Didier Lockwood, dann Paris und das Kabarett, wo der Musiker im Dienst einer Show spielt. Der E-Bass übernimmt bei Projekten, die näher an der Popmusik sind: Heute begleitet sie Voyou, mit einer Tour, die fast ausschließlich mit Bass und Gesang stattfand, und spielt im Trio mit François and The Atlas Mountains. Parallel dazu baut sie ihr eigenes Projekt auf, live in drei Sprachen: Französisch, Englisch und Spanisch.
In dieser Folge von Tales erzählt Laure von dem Rock ihres großen Bruders und dem Flamenco der Sommer in Andalusien, von dem Lehrer, der ihr zeigte, dass man von Musik leben kann, von Esperanza Spalding und dem Trio von Ahmad Jamal, vom fragilen Gleichgewicht zwischen Tourneen und eigenem Projekt und von ihrem Fanblick auf Rosalía.
Laure Sanchez - Bassistin, Kontrabassistin und Singer-Songwriterin
Das Interview Tales
Was sind deine allerersten musikalischen Erinnerungen als Kind?
Sie kommen vor allem von meinem großen Bruder. Meine Eltern waren keine Musiker, aber er hörte viel Musik: Rock, Bands wie The Vines, The Offspring, Tété… Und dann gab es auch den Flamenco, weil ich aus einer andalusischen Familie komme. Das sind wirklich diese beiden Pole: der Rock, den ich zu Hause hörte, und der Flamenco, den ich hörte, wenn wir im Sommer die Familie in Spanien besuchten. Das war sehr anders als das, was man in Frankreich hörte, und es hat mich sehr fasziniert.
War Musik also Teil deiner Umgebung oder hast du sie dir „selbst gesucht“?
Meine Eltern kommen aus Südspanien, mein Vater aus Córdoba und meine Mutter aus Almería. Aber Musik wurde überhaupt nicht als Beruf angesehen. Sie hatten sehr klassische Lebensläufe, geprägt von Migration, mit dem Wunsch nach Integration und Stabilität. Kunst stand nicht im Mittelpunkt, jedenfalls nicht als berufliche Perspektive. Also habe ich wirklich das Gefühl, die Musik selbst gesucht zu haben.
Wenn du deinen Werdegang in große Abschnitte unterteilen müsstest, welche wären das?
Als Kind begann ich mit klassischer Gitarre. Nicht aus besonderer Lust an diesem Instrument, sondern weil es am zugänglichsten war: leicht zu transportieren, nicht zu laut. Ich machte Gehörbildung, Theorie, aber ziemlich schnell merkte ich, dass dieses Repertoire nicht ganz zu mir passte.
Ich habe eine Weile pausiert. Die Musik blieb im Hintergrund: Ich schrieb Songs, spielte ab und zu, aber ohne klares Projekt.
Dann, mit etwa 18-19 Jahren, während meines Studiums (ich hatte eine Vorbereitung und dann einen Bachelor gemacht), merkte ich, dass ich nicht glücklich war. Da begann ich mit dem Kontrabass. Es war eine Liebe auf den ersten Blick. Ab diesem Moment ordnete sich alles darum herum neu.
Wann hast du gespürt, dass Musik dein Beruf werden könnte?
Ziemlich spät, mit etwa 20 Jahren. Ich liebte Musik schon immer, aber ich gab mir nicht den Raum, sie ernsthaft in Betracht zu ziehen. Als ich mit dem Kontrabass begann, traf ich meinen Lehrer, der von Musik lebte. Zum ersten Mal sah ich jemanden aus der Nähe, der es wirklich als Beruf machte. Keine unerreichbare Figur, kein Mensch, den man nur aus dem Fernsehen kennt. Das machte es möglich, konkret.
Du wählst den Kontrabass, ein seltenes, massives, nicht einfaches Instrument. Warum?
Das ist ziemlich mystisch, sogar für mich. Als Kind fragte ich mich schon, wie das funktioniert. Dieses riesige Instrument ohne sichtbare Anhaltspunkte faszinierte mich. Aber ich traute mich nicht. Mit 19 suchte ich einen Lehrer im Internet und probierte es aus. Ich wollte immer Bass spielen, und der Kontrabass hatte diese akustische, physische Seite: die Vibrationen, die direkte Beziehung zum Klang. Ich könnte nicht rational erklären, warum gerade dieses Instrument und kein anderes, aber es war offensichtlich.
Wie haben deine Eltern diese radikale Entscheidung aufgenommen?
Das war ziemlich heftig. Ich hatte meinen Bachelor abgeschlossen, also fing ich nicht bei null an, aber mit einem geliehenen Kontrabass nach Hause zu kommen, riesig, ohne Hülle, kaum ins Auto passend… das hat alle ziemlich irritiert.
Mein Vater war sehr besorgt. Und ich auch, ehrlich gesagt. Ich hatte eine starke Lust, aber keine Sicherheit für die Zukunft. Ich musste so tun, als hätte ich alles im Griff.
Was waren deine ersten großen Einflüsse?
Ganz klar Esperanza Spalding. Ich war jahrelang von ihr besessen. Dass sie eine Frau ist, Sängerin und Instrumentalistin, sehr unabhängig, hat enorm viel bedeutet. Ich habe alles gehört, alles gesehen.
Es gibt auch Avishai Cohen, der mich am Anfang geprägt hat: ein sehr zugänglicher Einstieg in den Jazz. Und dann ein Live von Ahmad Jamal im Trio, meine erste Jazzplatte. Es war einfach, reduziert, wunderschön. Ich habe alle Basslinien mitgeschrieben.
Das Trio taucht in deinem Werdegang oft auf. Was bringt dir diese Formation?
Das Trio bietet enorm viel Raum. Es ist eine sehr essentielle Formation: Rhythmus, Harmonie, Stimme. Alles ist da.
Heute zum Beispiel spiele ich im Trio mit François and The Atlas Mountains, das ist kein Jazz, aber ich finde dieses sehr organische, sehr lebendige Gefühl wieder, das mir gefehlt hatte. In einer Zeit, die von Sequenzen und Ears übersättigt ist, tut das sehr gut.
Du begleitest viele Künstler. Was bringt dir diese Rolle?
Sehr viel. Ich entdecke gerne ganz verschiedene Welten. Nach dem Jazz habe ich Cabaret gemacht: Da bist du ganz im Dienst einer Show. Du zeigst nicht, was du kannst, du dienst einem Thema. Das rückt das Ego des Musikers komplett in den Hintergrund, und das tut gut.
Die Tourneen haben mich auch technisch enorm weitergebracht. Und die Musik anderer zu spielen, nährt dich zwangsläufig, auch unbewusst.
Ist es schwierig, Begleitung und eigenes Projekt unter einen Hut zu bringen?
Das ist ein sehr heikles Gleichgewicht. Die Tour kostet viel Energie, und wenn du zu deinem Projekt zurückkommst, siehst du, was noch fehlt: Netzwerk, Team, Mittel. Das kann entmutigend sein.
Gleichzeitig gibt die Begleitung von Künstlern Schlüssel, ein sehr konkretes Verständnis der Branche. Das Risiko ist, nie den Mut zu haben, sich ganz seinem Projekt zu widmen. Aber sich nur darauf zu verlassen, kann auch sehr hart sein. Ich bin mir nicht sicher, ob ich will, dass mein ganzes künstlerisches Überleben davon abhängt.
Wie ist dein Verhältnis zu sozialen Netzwerken?
Es ist sehr zwiespältig. Es gibt Zeiten, da habe ich wirklich Spaß, ich mag es, Inhalte zu erstellen, über eine Identität nachzudenken. Und andere, da finde ich es extrem angstbesetzt.
Alles ist vermischt: gewalttätige Nachrichten, Unterhaltung, Selbstpromotion. Man springt von einem schockierenden Video zu einem Freund, der seine Single ankündigt. Es ist sehr schwer, Sinn zu bewahren, vor allem, wenn man in einem Netzwerk von Musikern ist, die alle gleichzeitig dasselbe machen.
Rosalía hat den Flamenco wieder ins Zentrum der weltweiten Popkultur gerückt. Wie siehst du ihre Musik?
Ich bin ein großer Fan. Ich habe sie vor über zehn Jahren entdeckt, als ich meine Familie in Spanien besuchte: Meine Cousinen hörten sie, bevor sie bekannt war. Auf ihrem ersten Album im Duo mit einem Gitarristen hat mich ihre Stimme beeindruckt. Flamenco sind traditionell sehr kraftvolle, raue Stimmen. Sie hatte einen viel sanfteren, sehr klaren Ansatz, behielt aber die melodischen Intonationen des Flamenco. Ich fand das wunderschön.
Was ich unglaublich finde, ist ihre Freiheit: dieses Erbe mit sehr aktuellen Dingen zu mischen, einen Reggaeton-Titel zu veröffentlichen, mit James Blake zusammenzuarbeiten... Sie verbietet sich nichts. Ich denke, das hat anderen Künstlern den Weg geöffnet, sich ihre Kultur neu anzueignen und in zeitgenössische Musik einzuspeisen.
Und du, bist du zum Flamenco oder deinen andalusischen Wurzeln zurückgekehrt?
Das hat mich immer fasziniert. Ich habe es nie akademisch studiert, war nie in einer Immersion, und ich könnte nicht wie eine Flamenco-Sängerin singen. Aber es ist eine Musik, die ich mein ganzes Leben gehört habe. Ich habe immer ein bisschen auf Spanisch geschrieben, ohne es unbedingt hervorzuheben.
Es ist nicht ausgeschlossen, dass ich irgendwann Musik auf Spanisch herausbringe.
Du schreibst und singst in mehreren Sprachen. Warum?
In meinem Live gibt es schon drei Sprachen: Französisch, Englisch und Spanisch.
Englisch kommt stark von meinem Jazz-Erbe und afroamerikanischen Einflüssen. Französisch kam später, und heute schreibe ich hauptsächlich in dieser Sprache. Spanisch möchte ich mehr vertiefen. Ich denke, das wird sich mit der Zeit verfeinern.
Vertrittst du eine bestimmte musikalische Ästhetik?
Nicht wirklich. Ich habe so viele verschiedene Einflüsse, dass ich schwer sagen kann, was ich mache. Ich habe einen sehr neo-soul-Titel veröffentlicht, weil ich das damals gehört habe.
Aber je nach Formation, Live, Musikern, mit denen ich spiele, kann die Musik rockiger, roher oder im Gegenteil sehr produziert werden. Ich mag diese Plastizität. Ich mag, dass sich Musik verändert.
Freie Wahl: Mit wem würdest du gerne auf Tour gehen?
Solange. Das ist der erste Name, der mir einfällt. Eine sehr freie, hybride Künstlerin mit einem mondänen Universum. Ich identifiziere mich stark damit.
Und wer sollte dich auf deinem eigenen Album begleiten?
Rosalia, ohne zu zögern. Wegen ihrer Gesamtvision: Produktion, Stimme, künstlerische Leitung. Und kürzlich hat mich auch Mk.gee sehr beeindruckt, wegen der Einzigartigkeit seines Universums.
