Eine Kindheit geteilt zwischen dem 95 und dem Kamerun, ein Vater Musiker, dessen Clips dort im Fernsehen liefen, ein Klavier im Wohnzimmer. Der Rest spielte sich auf type beats ab, die ich auf YouTube fand, ein paar Klavier-Gesang-Videos und ein gefüllter Zénith de Paris.
Pariser Jams im Zénith: Ein steiler Aufstieg
Das Tales-Interview
So weit du dich erinnern kannst, deine erste Erinnerung an Musik?
Als ich klein war, im 95. Mein Vater macht Musik, mein Vater ist Künstler. Wir haben von meinem 5. bis 10. Lebensjahr in Kamerun gewohnt, das war die Zeit, in der er am erfolgreichsten war: Seine Clips liefen im Fernsehen, das wurde ein bisschen exportiert. Soul Makossa, eine Mischung aus Makossa und etwas Souligem. Sobald ich verstanden habe, was Musik ist, oder zumindest mir dessen bewusst wurde, muss das so mit 3 oder 4 Jahren gewesen sein.
Weißt du noch, was das mit dir gemacht hat?
Nein. Aber ich denke, das ist wie ein psychologischer Schock, da passiert sicher etwas. Es ist wie wenn jemand etwas super gut macht, wenn du klein bist: Du merkst es dir, weißt nicht warum, es hinterlässt eine Spur in deinem Kopf und später kommt das unbewusst wieder hoch. Es ist wie Traumata, nur umgekehrt. Wenn das Negative etwas schafft, dann tut das Positive das auch, zwangsläufig.
War Musik bei dir zu Hause im Alltag sehr präsent?
Ja, schon durch diesen Vater, der Musik macht. Ich nehme das wahr, ich erlebe das. Und meine Mutter hört zu der Zeit viel Musik. Allein die Tatsache, dass ich von Leuten umgeben war, die Musik sehr mögen, war der erste Rahmen, in dem ich aufgewachsen bin.
„Ich werde etwas zeigen, das ich noch nicht gezeigt habe“
Vor den Klavier-Gesang-Videos gab es die Phase der type beats. Was hast du gesucht?
Zu lernen, was ich nicht konnte. Ich hatte nie produziert, war nie ernsthaft vor Ableton gesessen, ich hatte nur viel ausprobiert wie ein Geek, schnell, ohne anderes Ziel. Ich höre viel Rap und kann schnell auf type beats rappen. Das ergab etwas Klassisches, im Rap-Sinn: Die Produktionen werden nicht mit dem Künstler erarbeitet, sie sind sehr basic, oft nur ein Stil, während ich gerne verschiedene Dinge mische.
Wie kam das Klavier ins Spiel?
🎥 @el_gavoncho
Parallel dazu habe ich immer gern Klavier gespielt. Wenn ich Texte schreibe, gibt es oft einen Moment, in dem ich die Produktion stoppe und nur Akkorde am Klavier spiele, weil ich das viel einfacher finde, um eine Melodie zu finden. Irgendwann dachte ich: Ich habe Songs auf Plattformen hochgeladen, Clips gemacht, Visuals, jetzt zeige ich etwas, das ich noch nicht gezeigt habe, nämlich dass ich Klavier spielen kann. Und fast schon im ersten Video waren die Reaktionen sehr gut. Das Videoformat spielt natürlich eine Rolle, aber was die Leute über den Hype hinaus hält, ist diese viel direktere, einfache Seite, ohne Filter, ohne Produktion, ohne Schnickschnack. Daraus entstand ein ziemlich vielfältiges Publikum: viele junge Leute, und gleichzeitig bei meinen Konzerten Menschen mit einer musikalischen Kultur älterer Generationen.
Hast du gezögert, dich so zu zeigen?
Ein bisschen, aber wirklich nicht lange. Ich hatte nie Klavier-Gesang veröffentlicht, immer nur produzierte Sachen. Wenn man sich vornimmt, im Rap durchzustarten, hat man eine Reihe von Vorannahmen und Klischees im Kopf, die mit dem Image von Rap zu tun haben. Oder einfach damit, nur hinter etwas Produziertem zu existieren, und das geht über Rap hinaus, das ist allgemein. Am Anfang denkt man, man will professionell sein, dass es auf keinen Fall leiser klingen darf, wenn es in der Playlist läuft. Später merkt man, dass es gut ist, seine Songs zu produzieren, aber dass das, was manchmal berührt, die Einfachheit und gerade die Unvollkommenheit sein kann, die darin liegt, nicht zu produzieren.
Willst du beweisen, dass du das Produktionsniveau hast, ist das ein Muss?
Das ist lehrreich. Man darf nur nicht darin stecken bleiben.
Und der Moment, in dem es kippt?
Es gab mehrere Wendepunkte, aber der große war die sozialen Netzwerke. Ich hatte schon Videos auf TikTok gepostet, aber keine Videos für TikTok gemacht: Ich hatte nur bestehende Videos neu geschnitten und repostet, was natürlich nicht die richtige Methode war. Ich habe maximal vier gemacht, dann gelöscht. Der echte Wendepunkt war, es richtig zu machen, zusammen mit den Klavier-Gesang-Videos. Nur auf TikTok zu sein, hätte vielleicht nicht gereicht.
Was ändert das konkret?
Ich singe Töne, die die Leute nicht kennen, und es funktioniert. Deshalb weiß ich nicht mehr, was ich rausbringen soll: Wenn ich die produzierte Version rausbringe, werden die Leute sie mögen, obwohl sie nichts damit zu tun hat? Es ist vor allem das erste Mal, dass ich so viele Leute mit dem konfrontiere, was ich kann, und dass ich ein Feedback dazu bekomme. Das geht über den Nachbarn hinaus, der dir sagt „Ich habe das Video gesehen, das ist genial“. Und da kommt Druck auf, weil eine Erwartung da ist, während ich vorher Sounds rausgebracht habe, die niemand erwartet hat. Dieser Moment hat in unseren Köpfen, bei meinem Team und mir, einiges beschleunigt.
„Der Großteil des Einflusses ist unbewusst“
Deine Herkunft, deine Einflüsse: bewusst oder unbewusst?
Ein bisschen von beidem, aber ich denke, der Großteil ist unbewusst. Man kann versuchen, Dinge bewusst zu machen, und meistens schafft man es dann nicht, Ergebnisse zu erzielen. Gleichzeitig weiß ich sehr genau, was draußen passiert, was man den Mainstream von heute nennen könnte, eine Definition, die sich mit der Zeit stark verändert. Ich will nicht mit bestimmten Stilen identifiziert werden, und paradoxerweise lasse ich mich davon stark inspirieren, um mich abzuheben. „Bécane“ ist Trap im Sinne davon, dass wir 808 einsetzen und die Struktur ziemlich Trap ist, aber die Produktionsabsicht ist viel live, viel jazziger. Ich habe viel jazzigere Versionen, die ich einfach nie rausgebracht habe. Das ist die Version, ich weiß nicht wie viele, die wir mit Pandrezz gemacht haben, weil er auch ein Jazzer ist.
Einen Stil erfinden, ist das noch möglich?
Es ist selten, seinen eigenen musikalischen Weg zu schreiben. Man macht das unbewusst und merkt es erst im Nachhinein. Wenn der Künstler da ist, ist es schwer zu sagen: Ah ja, er schreibt gerade etwas neu. Selbst James Blake, der wirklich etwas Besonderes hat: Man kann seine Musik entschlüsseln, Tricks und Verzweigungen zu bestehenden Stilen, Herkunft erkennen. Das ist die Natur des Menschen. Neu erfinden ist in den Köpfen.
Deine Instrumentalistenkultur, ist das ein Vorteil gegenüber einem Künstler, der diesen Hintergrund nicht hat?
Ja, ich denke schon. Erstens kann ich produzieren, und nicht alle Künstler können produzieren. Sie müssen es auch nicht, um ehrlich zu sein, jeder hat seine Rolle. Ich war bereit für den Live-Auftritt, weil ich das liebe und nur Freunde im Live hatte. Die, mit denen ich touren, sind Jam-Kumpels, die ich lange kenne, das waren meine Mitbewohner. Mit Freunden loszuziehen, mit einer musikalischen Fusion, die schon existiert, weil ihr es gewohnt seid, zusammen zu spielen, ist alles flüssiger. Aber diese technische Seite kann auch toxisch sein: Das Wissen, wie man etwas macht, macht Lust, sich immer einzubringen, und das ist nicht unbedingt das Beste für einen Künstler, der manchmal woanders hingezogen werden muss. Es gibt außergewöhnliche Künstler, die diese Kultur nicht haben und trotzdem die gleiche künstlerische Tiefe besitzen, ohne das technische Verständnis, was ein Fis 5 oder ein sus4 ist.
Full control oder delegieren?
Am Anfang eher full control, weil ich nicht wusste, ich bin blind vorangeschritten, habe im Dunkeln getastet. Man wächst mit der Idee, dass man um jeden Preis unabhängig sein muss, dass man alles verstehen muss, sonst wird man über den Tisch gezogen: Man kommt mit vielen roten Flaggen, das kann klar ein Hindernis sein. Mit der Zeit habe ich angefangen zu delegieren, dann verstanden, dass man trotzdem einiges behalten muss, weil delegieren auch dein Leben ist, das du delegierst. Niemand wird dein Projekt besser bearbeiten als du, und das ist normal: Jeder wird weniger Aufwand und weniger Bindung haben als du. Das Schwierigste ist zu wissen, wer was macht, wer wichtig ist, was es wert ist. Das ist das Hauptproblem, das Künstler am Anfang verlieren, und es ist auch das Werkzeug der Störer, ich nenne sie mal so: Diese Verwirrung nutzen, um die Künstler zu überholen, sie entweder zum Full Control oder zum totalen Loslassen zu drängen.
Das Wohnzimmerklavier, das Keytar beim Jam
Dein erstes Keyboard?
Ein Klavier in Kamerun, auf dem ich die ganze Zeit gespielt habe. Ich konnte es nicht behalten, es ist dort geblieben. Es war das Wohnzimmerklavier, nicht das Studio-Klavier meines Vaters: Es gab ein Studio zu Hause mit verschiedenen Instrumenten, also hatte ich die Gelegenheit, andere Sachen auszuprobieren. Aber das Klavier hat mich wirklich interessiert, es war das Einfachste für mich. Ein Keyboard, du drückst, ein Ton kommt raus. Eine Gitarre, du musst zupfen, anschlagen, eine Position halten, du hast Schmerzen in den Fingern. Es ist das intuitivste Instrument mit einer wirklich sehr großen emotionalen Palette.
Sammelst du Keyboards?
Nein, aber ich habe alle behalten, die ich in meinem Leben hatte. Mein Favorit für eine Zeit war ein kabelloses MIDI-Keytar. Ich habe nie eine Tasche gefunden, also habe ich es in eine Gitarrentasche gesteckt, das sah aus wie nichts, aber wenigstens ging sie zu. Die Tasche ist irgendwann gerissen, klar, sie ist nicht dafür gemacht, und ich bin Motorrad gefahren, der Wind war zu stark. So bin ich in Paris zu Jams gegangen, mit einem kleinen Rechner, auf dem ich VST hatte: Ich kam an, fragte, wo ich mich anschließen kann, zog ein Kabel raus und spielte kabellos. Die Leute sagten: „Was ist das für Zauberei, der Typ spielt Keyboard kabellos und es gibt keine Latenz“. Ich habe es immer noch, ich muss nur noch eine Abdeckung für die Batterien finden..
Wenn nur einer übrig bleiben dürfte?
Ich behalte mein Keytar.
Schreibst du heute eher akustisch oder MIDI?
In meinem Studio gibt es immer akustische Instrumente, weil die Leute um mich herum spielen können, oft besser als ich. Wir sind alle Produzenten, deshalb ist es für uns kein Problem, manchmal MIDI zu bevorzugen, aber für mich gehört das zusammen. Ein Studio ohne akustische Instrumente geht nicht, da fehlt etwas.
Bist du der Typ, der zwei Wochen an einem Keyboard-Sound festhängt?
Nein, ich gehe eher schnell zum nächsten Ding über. Wenn es mir nicht passt, gibt es so viele Sounds, vor allem in VST. Da finde ich das Analoge interessant: Auswahl zu haben ist nicht immer gut. Das ist wie bei Plugins. Auf YouTube sagt jeder, das Plugin macht den Sound, aber am Ende, wenn du komprimieren willst, hast du die Wahl zwischen sechs Kompressoren, kannst nicht alle gut bedienen, das bringt nicht viel. Früher habe ich den neuesten Kram gejagt, war schwer zu bekommen und super teuer. Am Ende habe ich alles rausgeschmissen, ich nutze fast nur noch die Ableton-Tools. Die unbegrenzten Möglichkeiten sind manchmal schlecht für die Kreativität: Man dreht sich im Kreis bei der Auswahl, statt voranzukommen, den Sound und die Emotion zu setzen, die man wollte.
Schreibst du allein oder im Kreis?
Es ist gemischt. Ich bin ständig mit meinen Kumpels zusammen, aber ich brauche Momente allein, um effektiv zu schreiben. Das ändert sich ständig, von Projekt zu Projekt, von Sound zu Sound: Manchmal schreibe ich leichter, wenn meine Kumpels da sind, manchmal ist es andersrum. Ich bin sehr zufrieden damit, weil ich noch keine Methode habe, kein Meta, und ich glaube, das ist besser: Ich habe das Gefühl, immer ein bisschen neu zu entdecken.
Das Zénith, der Vater, die Anerkennung
Am Tag nach dem Zénith in Paris, was denkst du?
Ich war ein bisschen auf Wolke sieben. Ich dachte nur daran, was wir gerade gemacht hatten. Das Verrückte ist, dass wir vorher viele Shows gespielt hatten, manchmal mit mehr Publikum, aber das Zénith bleibt etwas Besonderes. Es ist wie ein Schritt in der Karriere, vor allem das erste Zénith in der eigenen Stadt. Man realisiert es nicht, bis die Show beginnt. Da fühlte ich mich unter Druck, dachte an meine Familie, an alle, die da waren, der schlimmste Moment, wirklich die Sekunde vor dem Auftritt. Außerdem beginnt die Show mit der Stimme meines Vaters, und mein Vater war da. Ich war sehr bewegt, hatte große Schwierigkeiten, die Show zu starten.
Zählt die Anerkennung von Industrie und Kollegen?
Es gibt verschiedene Arten. Die Anerkennung der Industrie, der Kollegen, anderer Künstler. Und die der Familie, über die man nicht oft spricht. Ich habe am Anfang nicht unbedingt die Anerkennung meines Vaters in der Musik bekommen, obwohl er Musiker ist. Er war nicht unbedingt dafür, eher aus Angst. Am Ende musste er feststellen, dass es klappt, dass ich es schaffen werde. Seine Anerkennung zu haben, war etwas Besonderes.
Und die der Freunde?
Das heißt, nicht derjenige zu sein, der unter all den Freunden scheitert, der sein Projekt nicht durchzieht. Unter Freunden erzählt man sich die Projekte: Wer macht was, wie läuft es. Es gab harte Zeiten. Ich brachte einen Clip raus... da waren 500 Aufrufe, niemand hatte ihn gesehen. Und dann gibt es Freunde, die ehrlich sind und sagen: Es ist hart, bist du sicher, dass du weitermachen willst, weil wir hier etwas machen können. Diese Anerkennungen, die echten Freunde, sind die eindrucksvollsten.
Und die Institutionen, die Victoires de la musique?
Das ist symbolisch, aber es freut einen immer, wenn Institutionen die geleistete Arbeit anerkennen, weil man das am Anfang nicht unbedingt hat. Man hat das Gefühl, es ist plötzlich explodiert, aber bevor es explodiert ist, hat man alles gemacht: alle Wettbewerbe in Frankreich, alle Förderprogramme für Künstler, alle Messen. Wir haben uns angemeldet. Es gab viele Zweifel. Die Industrie ist sehr vage. Eine Industrie ist eine Industrie: Es gibt keine Liebe, kein Vetternwirtschaft, in Wirklichkeit. Sie ist günstig, wenn es läuft. Danach liegt es an dir, zu verstehen, wie sie funktioniert und keine Hoffnungen zu haben, die über die Realität einer Industrie hinausgehen. Aber es ist möglich, sich einzubringen. Ehrlich gesagt, wenn ich die anderen Industrien sehe, sind wir in Frankreich gut dran.
Carte blanche
Ein Projekt zu viert, mit wem du willst, wo du willst auf der Welt.
Das wäre Cory Henry. Wirklich. Er ist ein Monster, ich denke, er ist mein Lieblingskeyboarder. Er hat unter anderem mit Snarky Puppy gespielt, das ist auch eine meiner Lieblingsbands. Unglaublich. Wenn ich sechzig Hände mit ihnen machen könnte, weil sie keine Ahnung wie viele auf der Bühne sind, würde ich das mit großer Freude tun.
